Acojonadito me he quedado con el “trailer” de “Iron Man 2″. Si ya la primera me sorprendió positivamente, esta segunda, al menos por lo visto, promete incidir en las virtudes de su predecesora: el enfoque de Robert Downney Jr, el cínico ideal para este papel, olvidar la continuidad con respecto al comic (el cual ha tenido épocas realmente flojas) y, en general, ese punto humorístico, esa capacidad para reírse del propio héroe, convertido en una celebridad adaptada a los tiempos modernos, tan interesante.

En el fondo el secreto del proyecto “Iron Man” es la acertadísima elección de Robert Downey Jr. para hacer de Tony Stark;a partir de ahí sólo adaptar el resto de componentes a la genialidad y la personalidad del actor. Uno de los grandes bombazos de Marvel en 2009, antes de ser absorbida por Disney.

Aquí dejo el vídeo:

Lo último de Clint Eastwood es lo viejo de Clint Eastwood. Y digo esto porque el veterano actor-director-compositor recupera en “Gran Torino” el estilo de los personajes bordes, malencarados y asqueados de la vida que le dieron fama a lo largo de estos años, y se acerca a la línea de la mítica “El sargento de hierro”.

En su último filme recupera a un personaje inicialmente odioso y sarcástico, un excombatiente con un punto racista y xenófobo que, en el transcurso del metraje va evolucionando y transformándose. Y Clint, hay que reconocerlo, borda ese papel. No deja de ser una historia clásica: la redención del ser humano y en la que el “Gran Torino” que da título no es más que un símbolo de su transformación personal.

Es posible que la película no sea reconocida como la mejor de su filmografía, pero es un trabajo sólido, propio de un talento experimentado. Es una muy buena película que demuestra que, con economía de medios (salvo Eastwood, el reparto es desconocido) se puede hacer buen cine si se tiene una buena historia y buenos profesionales. Por otra parte no se busca aturdir al espectador con muchos acontecimientos y muchos efectos especiales, lo que es virtud suficiente en estos tiempos de “Transformers” y demás.

La película nos regala también algunas de esas grandes citas de Clint que perdurarán en el tiempo. Y en esto también se parece a “El sargento de hierro” o “Space Cowboys”. De las mejores que he ido a ver últimamente y, en teoría, su última película como actor. Si se confirma le echaremos realmente de menos.

Le añado un mérito adicional al viejo ex-alcalde de la bella localidad californiana de Carmel: su intensa producción de uno o dos filmes al año, que debería hacer reflexionar a alguno de los niños de oro del cine actual, que sacan películas cada cinco años.

¡Qué decepción, madre mía! Vaya pestiño de película…

Parece que la industria se empeña en acabar con la ilusión de los espectadores, que se empeñan en apartarnos del cine… Igual soy un poco duro, pero después de las esperanzas puestas en la adaptación del cómic de Alan Moore, “Watchmen”, al cine, la realidad ha sido cruel.

El largometraje es vacuo y pretencioso, extremo en el metraje y hipermusculado en las escenas de acción.

Reconozco que los comentarios previos al estreno eran muy positivos, y es posible que un extracto de la película impacte positivamente, ya que la escena inicial es fantástica como montaje, en efectos, coreografía e incluso fuerza dramática. Esa primera escena hace que te agarres a la butaca, que te relamas pensando lo que viene a continuación. Lo malo es que, a partir de ahí, la ampulosidad y la estética de videoclip es la norma a seguir por Zack Snyder, el director; no le voy a negar al chaval que tiene talento visual, como ya demostró en “300″, otra adaptación de cómic, mas hacer videoclips de casi tres horas es forzar la paciencia del espectador.

El material de partida es inmejorable: la obra original de Moore le da la vuelta de tuerca definitiva al mundo de los superhéroes, los personajes (auténticos antihéroes) son complejos e interesantes, pero en la película estos mismos personajes parecen ridículos.

Podía haber sido un filme legendario, pero es un gran bluff, que coloca a Snyder como otra de las grandes promesas del cine engullidas por una voraz industria, al igual que pasó con Michael Bay y Peter Jackson, excesivamente alabados al comienzo de sus carreras y que han sido incapaces de confirmar en posteriores trabajos.

En “Revolutionary Road”, Sam Mendes vuelve a explorar la gran mentira que se oculta tras la típica familia americana, como ya hizo en “American Beauty” y, en menor medida, en “Road to Perdition”.

Mendes se sitúa en los años cincuenta, durante la explosión del modelo social suburbano en Estados Unidos posteriormente exportado,  para contar la historia del matrimonio encarnado por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet; (casada en la vida real con el director)  y “Revolutionary Road” no es más que la calle en la que viven.

Esta película es desasosegante, desagradable y realista; lo más inquietante es observar, en la vidadel matrimonio, actitudes fácilmente reconocibles. El amor cotidiano que se transforma en odio es el más horrible de todos; aquí no hay villanos, sino personas que sacan lo peor de ellas mismas.

Los personajes de DiCaprio (que cada vez está más anchote y cada vez es más sólido) y Winslet están magníficamente trazados, son complejos y verosímiles; en ese punto tanto el texto riginal de Richard Yates como el trabajo de los actores y de San Mendes es impecable.

Sinceramente es una película que me ha dejado un mal sabor de boca, que no volvería a ver, y sin embargo es una gran película y necesaria, que pone al espectador ante las incongruencias de la vida moderna; el personaje más lúcido de la película, el único que no vive una mentira es el perturbado hijo de unos vecinos, él único que plantea la gran cuestión: “¿Os habéis cansado ya de jugar a las casitas?”.

Es un largometraje terrible, cotidiano y muy recomendable.

Estaba viendo ayer TCM, cuando me encontré la grata sorpresa de la emisión de “Pulp Fiction”, la gran obra de Quentin Tarantino.

No deja de llamar la atención cómo se ha incorporado esta película a la cultura popular, a partir de ser el propio largometraje un refrito y un producto de la propia cultura popular; cuántas chanzas, citas y actitudes han pasado a ser parte inseparable del hombre occidental de hoy.

En su momento esta película, ganadora de la Palma de Oro de Cannes, se destacó por las novedades de los tiempos narrativos, yendo para adelante o para atrás en la historia hasta cuadrarla. Y desde entonces, la película en general, su violencia retorcida  y la actitud de los personajes han sido imitadas hasta la saciedad.

Revisen, por favor, la memorable escena del baile:

Y siempre me queda la duda: ¿sería tan graciosa la escena si no fuera el gran Travolta el que baila? Sólo por haber recuperado a Travolta para el cine, la labor de Tarantino ya sería suficientemente valiosa.

Para los curiosos, aquí pueden descargarse el guión de la película.

Ridley Scott lleva unos años demostrando que ha recuperado el pulso perdido a mediados de los 90 y, aun con altibajos, desarrolla, durante esta década, películas muy sólidas; rodeado de un equipo prestigioso a todos los niveles, su cine puede que ya no consista en las obras maestras que dirigió al principio de su carrera, pero ha conseguido un difícil equilibrio entre cine comercial y de calidad, entre acción y reflexión y es, en estos tiempos de basura de celuloide, un llanero solitario, un profesional con talento que hace lo que quiere hacer, y lo hace bien.

“Red de mentiras”, su última película, es un ejemplo de todo lo anterior. Al igual que “American Gangster”, estrenada a principios de año, se apoya en un buen guión, con personajes complejos y creíbles encarnados por actores de peso (en varios sentidos), que aquí son su habitual Russell Crowe (gordo como un capón de Villalba) y un cada vez asentado (y menos galán de “SuperPop”) Leonardo DiCaprio. Especialmente interesante el papel de Crowe, que encarna a esos burócratas que, a miles de kilómetros, deciden sobre la vida y la muerte de las personas, basándose en discutibles análisis geopolíticos.

El filme es sólido, entretenido e interesante; eso, en sí mismo, es más que suficiente, pero es que además huye de maniqueísmos y convencionalismos sobre los problemas en Oriente Medio. Creo que es una magnífica película e incluso, a pesar del metraje extenso, el espectador se queda con ganas de saber más.

Demoledora es la última conversación/confrontación entre Di Caprio y Crowe; la cita es de memoria, disculpen la inexactitud:

Hoffman: ¿Pero quién quiere vivir en Oriente Medio?

Ferris: Ése es vuestro problema, que sois incapaces de entenderlo.

No es “Blade Runner”, “Alien” o “Thelma & Louise” pero es cine de mucho nivel.

No me considero el mayor fan de Woody Allen, pero reconozco que tiene películas de gran calidad y es un excepcional dialoguista.

En la última parte de su carrera, Allen ha rodado en Europa, alejándose de su habitual Nueva York y con la continua presencia de Scarlett Johansson. Si bien las dos anteriores se localizaban en Londres y, al menos, “Match Point” es una película sólida, esta “Vicky y Cristina Barcelona” se sitúa en Barcelona y es una auténtica porquería. Para empezar no parece una película de Woody Allen: ni el planteamiento, ni las situaciones parecen los propios del director americano.

Mención aparte merecen los diálogos, que encuentro absolutamente forzados, alejados de la realidad. Sé que es muy difícil que un extranjero tenga la misma impresión del país que nosotros pero… ¿concierto flamenco en Oviedo? ¡Eso tengo que verlo. Parece una película de encargo: que la protagonista haga un máster en “identidad catalana” suena a chiste malo y los doblajes de los actores, especialmente la voz de Bardem… No sé, pero después de tanta publicidad entre Johansson y Penélope Cruz, que Woody Allen pergeñe tamaña monstruosidad es lamentable. Tan poco me gustó la película que, al salir, tuve que entrar a ver otra para quitarme el mal sabor de boca.

Tenía pendiente de visionar esta película, “Where the buffalo roam” -que ignoro si fue estrenada en nuestro país-, desde hace tiempo, recomendada por el gran Izarra; y es que ambos somos admiradores de Hunter S. Thompson.

Hunter S. Thompson, personaje en el que se basa la película, es uno de los principales exponentes del Nuevo Periodismo, que en su caso es llevado hasta el extremo, en lo que denomina Periodismo Gonzo. En este largometraje, que pensaba por error que era una primera versión cinematográfica de su novela “Miedo y asco en Las Vegas”, Hunter narra sus aventuras con su abogado Carl Laszlo, desde el epicentro del movimiento hippy en San Francisco hasta su posterior evolución cuasi-revolucionaria.

Hunter es encarnado por un Bill Murray, previo a su éxito de “Los Cazafantasmas”, que realiza una muy convincente recreación del audaz escritor.

La película es, en realidad, un conjunto de locas aventuras separadas en el tiempo y cuyo único hilo conductor es Carl Laszlo; una mezcla de diferentes crónicas y novelas del autor, lo que se percibe y le da un aire un tanto caótico, lo que no es un error en esta recreación. Es una película gamberra, al estilo del cine de John Landis.

El arranque es poderoso aunque decae al final, aunque deja con ganas de saber mucho más acerca de la vida de Hunter, siempre entre fechas límite de entrega de sus reportajes, daiquiris y drogas. Hay escenas memorables como la del autoestopista (extraída de “Miedo y asco en Las Vegas”), o la de la habitación del hotel en Los Ángeles.

En una conferencia en la Universidad Bill Murray pronuncia una de las citas más clásicas de Hunter S. Thompson: “Lejos de mí recomendar al lector drogas, alcohol, violencia y demencia, pero tengo que reconocer que sin todo ello yo no sería nada”

Para nada es una película perfecta, pero permite conocer a un autor fascinante como fue el tristemente fallecido Hunter S. Thompson, una de las referencias para la contracultura de este siglo.

Realmente “The Clone Wars”, la última producción de George Lucas en el universo de “Star Wars” ha supuesto una novedad técnica y estilística dentro de este mundillo, pero para nada una novedad comercial.

Digo que es novedad técnica y estilística porque hasta ahora no se había producido ningún largometraje de animación, pero no lo es comercial, ya que la política de Lucas ha sido alargar el negocio de Star Wars hasta el infinito y más allá.

“The Clone Wars” viene de la serie de animación que Lucas está preparando para la televisión y que, dicen que de manera casual, produjo un primer episodio más largo que acabó convirtiéndose en este largometraje y en una especie de presentación de la serie. Desgraciadamente, esto se nota.

Se percibe su origen en la calidad técnica del producto que, aun siendo muy alta, no está al nivel de los grandes estudios de animación como Pixar o Dreamworks; da el nivel en la imaginería visual, propia de los estudios Lucasfilm, pero no así tanto en la expresividad de los personajes.

Por otra parte, se ve que la película se dirige a un público demasiado infantil, ya que la profundidad de los diálogos es nula y las reacciones de los personajes son tontas e infantiles. Es bastante triste que, con tanto presupuesto, no se pueda buscar a un equipo de guionistas que den, sin alterar la filosofía del largometraje, algo más de empaque al mismo.

Hay, además, un exceso de escenas de acción, que están muy bien resueltas, todo hay que decirlo, pero que van en contra del nivel artístico del filme; parecemos olvidar que, en el cine, pretendemos contar una historia, no apabullar al espectador con efectos especiales vacíos. Los vicios de siempre trasladados a la animación. Lo que nos faltaba a los aficionados, ya que en los últimos años, este segmento parecía ser refugio para grandes producciones con guiones inteligentes. Esperemos que no sea así.

En fin, puede ir  a verse, pero no nos perdemos nada especial; más adecuada para los niños o auténticos fans del universo “Star Wars” sin excesivo espíritu crítico.

Estamos un poquito igual que siempre con el cine español: directores que se creen Edward Burns, Amenábar y Cristopher Nolan juntos; actores masculinos que provocan un poco de grima visual (Karra Elejalde); una tía buena (Bárbara Goenaga) que enseña las tetas aun cuando es absolutamente innecesario y unos momentos que bordean el ridículo a pesar de que se busca tensión.

Eso es “Los cronocrímenes”, el debut de Nacho Vigalondo en el mundo de los largos; aunque también es mucho más, no todo es tan negativo: la idea de la trama es interesante, sorprende inicialmente y no está mal desarrollada; los hechos, que inicialmente parecen absurdos van adquiriendo algo de sentido a lo largo del metraje y, con poco presupuesto y sólo cinco personajes, crea una aceptable obra de ciencia-ficción.

Lo más interesante es cómo evoluciona el registro: si el comienzo es el propio de una película de terror con villano deforme, se transforma en una fantasía sci-fi.

No voy a desvelar la trama, el guión es interesante, pero bastante menos lo es la realización. Da la impresión de que se ha querido vender como la nueva “Abre los ojos”, pero está a años luz de la película de Amenábar. A Vigalondo le falta manejo de la tensión; el arranque es de verdad inquietante, pero a la actitud del protagonista le falta verosimilitud; parece que hace las cosas porque las tiene que hacer, pero aparte de jugar con los tiempos narrativos, no estás muy claras las razones de por qué hace las cosas.

Vigalondo aparece también como actor,  y como actor es lamentable, en la línea de Kira Miró, que no es poco. A Kira le salva que está buena, pero Vigalondo parece el típico freak del Salón del Cómic, de esos que nunca se comen una rosca salvo que se hagan directores de cine.

Si, como dicen, hay remake americano, puede hacerse una sensacional película, porque el guión de Vigalondo, para mí, es muy bueno; en realidad, el argumento es bueno, ya que el guión en algún punto está cojo; falla Vigalondo como actor y director, pero me gusta como guionista. Es un intento estimable, no se puede negar, pero hay que saber qué se sabe hacer: no se puede aspirar a hacerlo todo y todo bien.

En cualquier caso, no entiendo el entusiasmo que ha despertado la primera película de Nacho Vigalondo, a pesar de sus éxitos previos  a nivel internacional (nominado en 2004 para el Oscar al mejor cortometraje) y los premios en festivales que ha cosechado (Málaga, Sitges…).

El estreno de la versión cinematográfica de “Sex and the City” ha tenido más de evento social que de evento cinematográfico; el público ha asistido a los preestrenos organizados con fiesta incluida vestidos con sus más selectos atuendos, concediéndole a los complementos como bolsos y zapatos más importancia que al largometraje.

La película está entretenida y bastante emotiva en ocasiones, aunque es difícil juzgarla independientemente de la serie; quiero decir que, a pesar de ser una trama autoconclusiva y con una introducción de los personajes bastante eficaz mediante voz en off, no tiene interés para aquellos que no son aficionados a la serie de HBO que ha supuesto, durante sus años de emisión, un auténtico hito de la televisión: es el continuo desfile de zapatos, bolsos y vestidos que los fans de la serie esperan: desde ese punto de vista no defrauda; para los que no la han seguido nunca posiblemente no les haga la menor gracia, eso está claro.

Es lo que esperaban los aficionados -principalmente aficionadas-: un gran episodio que culmina las tramas y los cabos sueltos de la última temporada; el broche a la parte de las vidas que conoceremos de Carrie Bradshaw, Miranda Hobbes, Charlotte York y Samantha Jones, el principio del camino que las llevará a separarse. Y creo que el mensaje, después de vender la imagen de mujeres liberadas durante años, es un tanto reaccionario; da la sensación de que si Carrie no se casa con Mr. Big será una desgraciada, que su vida estará incompleta. Sólo Samantha escoge el camino que ellas siguieron durante varias temporadas televisivas, y da la sensación de que se quedará sola, pero para mí es la más grande de la serie, tanto por su personaje como por la interpretación de Kim Cattrall.

Es una película triste en ocasiones, divertida en otras, tal vez un poco larga pero bastante apreciable, y una orgía continua de glamour y estilismo gracias a la sensacional Patricia Field. Hay más de artístico en el vestuario de “Sex and the City” que en la calidad de la serie o en la película, la cual, de alguna manera, ha definido un estilo de vida con el que muchas mujeres querrían sentirse reflejadas.

Por cierto, parece ser que la crítica la ha puesto a parir… No es, evidentemente, una obra maestra, pero es un digno alimento para los seguidores de la serie, y sí, no puede negarse que va dirigida mayoritariamente al público femenino lo que no es, en ningún caso, un demérito, pero da la sensación de que a los críticos sólo les gustó la primera temporada de la serie, la basada en el libro de Candace Bushnell.

“Trainspotting” se ha convertido, con el paso de los años, en un mito de la contracultura, tanto por el texto, como por la adaptación cinematográfica que supuso el primer éxito de Danny Boyle y Ewan McGregor, así como por el Born Slippy (tema principal de la película) compuesto y cantado por “Underworld” -auténtico himno de mediados de los años´90-.

La novela se lo merece: es absolutamente rompedora en lo formal, con una utilización de muchos puntos de vista diferentes, así como estilos, con la armonía que les da a todos pertenecer al mismo estrato social. Es un reflejo vigoroso y descarnado del mundo de la droga, de la adicción al caballo. Y es sin embargo esto último, que es inicialmente lo más característico, una excusa para mostrarnos la vida desgraciada, vacía y desvalorizada de una clase social baja, bajísima; muestra de una Escocia decadente, tanto individualmente como al ser parte del Reino Unido. Sinceramente, lo que vemos está muy lejos de un país próspero, lejos de la imagen que los turistas nos llevamos de Edimburgo.

Los protagonistas no son héroes, son ladronzuelos, drogadictos, miserables y acomplejados, rodeados de muerte, droga y desesperación y, sin embargo, están dotados de un sentido del humor ácido y cruel. Cuando lees sus historias no puedes culparles por engancharse al caballo.

La novela es dura, pero también divertidísima, ágil y con momentos memorables. Un clásico moderno. “Trainspotting” constituye, junto al “Yonqui” de William Burroughs, uno de los mejores retratos de la droga. Para Burroughs: “La droga no es, como el alcohol o la yerba, un medio para aumentar el disfrute de la vida. La droga no es un estimulante. Es un modo de vivir”. Y esta máxima la aplican a tope los chicos de Edimburgo que protagonizan la novela de Welsh.

Recomendable también la película y su banda sonora.

Sultanes del sur es de esas películas a la que le sobran algunas cosas, especialmente la voluntad de imitar al cine americano. Sin embargo, y obviando esto, esta producción hispano-mexicana es bastante decente y entretenida, un buen producto comercial.

Lo mejor para mí es el papel de Jordi Mollá, lejos el histrionismo de alguno de sus papeles como narco en el cine americano, aquí su actitud tranquila es más desasosegante, la verdad. Es una pena que su rol sea un tanto breve, ya que tiene muchas más fuerza que el protagonista y guionista, Tony Dalton, un gran representante de la rigidez facial y el gruñido como técnica interpretativa, que tan bien desarrolló en tiempos Sylvester Stallone. Es este Tony Dalton un punto flojo a nivel de actuación.

Por otra parte, el filme tiene un buen ritmo, divierte a ratos y, sobre todo al principio mantiene la tensión. Además, los personajes de los mafiosos de Buenos Aires, El Tejano y Pablo Benes están muy logrados, especialmente el primero, encarnado por el actor gallego Celso Bugallo.

Sin embargo, el final es muy flojo, muy forzado y el último elemento es innecesario. Yo puede entender que a Tony Dalton le gustara Sospechosos Habituales, pero él no es Christopher McQuarrie ni tampoco Kevin Spacey.

En cualquier caso, se puede ir al cine a pasar un buen rato con una historia de atracadores, violenta y ágil, aunque flojee un poco el guión.

¡Venga ya! Esto de ir al cine está tomando un cariz un tanto desagradable… ¿Qué está pasando? ¿Estos eran los guionistas que estaban de huelga? Porque de ser así podían haber seguido protestando: no se les iba a echar de menos.

Pero seamos justos y empecemos por el principio…

Era un domingo de novia y cine cualquiera y decidimos (más bien ella decide y Melvin asiente estúpidamente) ir a ver una película. Pero Melvin, con una maniobra astuta, destaca el hecho de que Hayden Christensen (a.k.a. Anakin Skaywalker, auténtico imán para señoras) protagoniza la película “Despierto” (y obviando el hecho de que Jessica Alba es el auténtico objetivo de ese Melvin un poco verde y un poco viejo), lo que inclina la balanza hacia este largometraje.

¡Y vaya elección! La trama es absolutamente increíble, los personajes irreales y los giros del guión son forzados, buscando simplemente impactar a los espectadores (los cuales podemos ser algo tontunos, pero tenemos límites). La excusa habitual sería decir que es una película para niños, pero por la temática y el enfoque nada más lejos de la realidad.

En descargo de los anteriormente mencionados guionistas, el guión de este infumable pastiche ha sido perpetrado por el mismo director, el debutante Joby Harold el cual, después de esto, puede dedicarse con entusiasmo a la cría de llamas en el mismo Rodeo Drive: seguro que no lo hará peor.

Parte el guión de la posibilidad de quedarse paralizado en la mesa de operaciones debido a la anestesia pero despierto; posibilidad ciertamente inquietante, como es ser enterrado vivo; pero Joby Harold no es precisamente Edgar Allan Poe y, a partir de esa idea, la historia es un destarifo absoluto, con elementos un poco “gore” y poco más.

Conclusión: Melvin, el próximo domingo no escojas tú la película, que te estás cubriendo de gloria.

“10.000 B.C.“, la última película del alemán Roland Emmerich provoca sensaciones encontradas:

Por una parte tiene buenas intenciones: intenta partir de una idea original y ser entretenida, especialmente para el público joven y eso, en determinadas partes del metraje del filme, lo consigue; además, aunque es una película de presupuesto elevado, no utiliza actores conocidos, pero que resultan bien en pantalla. Hay momentos realmente espectaculares, y la asociación de dientes de sable, mamuts, egipcios y hombres prehistóricos tiene su aquel.

Sin embargo, hay aspectos de la película que bordean el ridículo: hay algunos diálogos -a los que no favorece nada el doblaje, todo sea dicho- francamente estúpidos; los guapos y guapas no pegan demasiado, aunque los pongan un poco greñudos (¡Melvin.es nunca apoya este tipo de estilismo forzadamente troglodita!). Añado que el final es apresurado y el villano defrauda un tanto…

Una pena, porque podía ser una muy interesante película de aventuras y se queda en un pastiche flojo. Me recuerda mucho a Stargate, del mismo director; de hecho algunas partes del “plot” parecen calcadas. Creo que, si hubiera estado apoyado por un guinista de calidad, el resultado podría haber sido mucho más interesante, superando el mero producto para adolescentes.